Lynne CohenLes années 1970 / The 1970’s
Les années 1970 / The 1970’s
3 mars – 23 avril, 2022.
Les 14 œuvres de l’exposition Lynne Cohen Les années 1970 comptent parmi les premières photographies de l’artiste. Neuf des œuvres sont des tirages tirés de planches contact d’appareils photo au grand format 5 x 7 et 8 x 10 pouces capturées entre 1970 et 1979. L’artiste a commencé à agrandir ses négatifs au format 51 x 61 cm (20 x 24 po) qu’en 1979. La plupart des œuvres de l’exposition ont été tirées par l’artiste elle-même.
Ces premières photographies vintage de Lynne Cohen ont été prises dans des espaces plus petits, domestiques et personnels, des résidences privées ou dans des petites entreprises. Les espaces semblent plus confinés et claustrophobes par rapport à ses œuvres ultérieures qui dépeignent de plus grands espaces institutionnels. Quels que soient les espaces photographiés par l’artiste, ses préoccupations ont toujours été les mêmes depuis le début présentant une un environnement construit s’apparentant à des installations ‘ready made’ et qui font souvent référence à l’art conceptuel, au pop art ou au minimalisme.
L’artiste déclare dans le livre Camouflage : « Lorsque j’ai revisité ce (premier) travail récemment, j’ai découvert que bon nombre de mes préoccupations actuelles étaient à peu près là depuis le début, du moins sous-entendues. Je n’avais pas réalisé que ma fascination pour la façon dont le monde faisait écho à l’art était si constante ou combien de temps j’avais été intrigué par les intérieurs qui ressemblaient à des installations trouvées. Et j’ai aussi été frappé par le fait que même dans mes photos précédentes, il y a une tournure conceptuelle, sociale et politique, le plus souvent couplée à une pointe d’humour ». Camouflage, 2005, Le Point du Jour Éditeur. page 95.
“Le style photographique de Lynne Cohen, bien représenté dans les photographies de cette exposition, ne vient pas de nulle part. On pense souvent qu’elle a trouvé sa voix artistique très tôt et qu’elle a continué dans la même voie pendant les quelque quarante années où elle a travaillé. Ce n’est pas tout à fait faux, mais cela ne tient pas compte de ce qu’elle faisait au cours des cinq ou six années précédant 1970. Lorsque je l’ai rencontrée en 1964, elle faisait ses premiers pas en tant que sculpteur et, au cours de l’année, elle soudait des pare-chocs d’automobiles en acier dans le style du sculpteur américain “néo-dada” John Chamberlain. Cela a pris fin lorsqu’elle s’est brûlée en soudant. Toujours intéressée par la sculpture et le travail de Chamberlain et de sculpteurs partageant les mêmes idées actifs dans les années 1960, elle se lance dans la gravure. Aujourd’hui également influencée par le pop art, l’art conceptuel et d’autres tendances de l’art contemporain, elle a produit un nombre important d’estampes qui reflètent sa fascination pour les matériaux et le monde matériel. L’une de ses principales ressources durant ces années, les catalogues de savoir-faire, une ressource à laquelle elle revenait régulièrement. Bien qu’elle se passe bien – elle remporte des prix – sa gravure la retient en studio lorsqu’elle veut être dans le monde et vers 1970, elle se tourne vers la photographie. Elle a estimé, à juste titre, que cela lui permettrait de faire le genre de travail qu’elle voulait faire d’une manière plus socialement engagée. Les idées qui ont inspiré sa sculpture et sa gravure n’ont pas été perdues mais repensées. Dès lors, elle photographie des lieux, presque invariablement des intérieurs, qu’elle considère de plus en plus comme des installations artistiques ready-made.” Andrew Lugg, Montréal, février 2022
ENGLISH
The 14 works in the exhibition Lynne Cohen The 1970’s are some of the earliest photographs by the artist Lynne Cohen. Nine of the works are contact prints from 5 x 7 and 8 x 10 inch format cameras that were taken between 1970-1979. The artist only started to enlarge her negatives to 51 x 61 cm (20 x 24 in) size prints in 1979. All the works in the exhibition were printed by the artist herself. These early vintage photographs by Lynne Cohen were taken in smaller, more domestic and personal spaces such as apartments or small businesses. The spaces seem more confined and claustrophobic compared to her later works, which depict larger institutional and spaces. Regardless of the spaces the artist photographed, her concerns have always been the same, seeing the world as readymade installations that often make references to conceptual art, pop art or minimalism.
The artists states in the book Camouflage: “When I revisited this (early) work recently, I discovered that many of my present concerns were pretty much there from the beginning, at least hinted at. I’d not realized that my fascination with how the world echoes art was so constant or how long I’d been intrigued by interiors that looked like found installations. And I was struck as well by the fact that even in my earlier pictures, there is a conceptual, social and political twist, as often as not coupled with a humorous edge”. Camouflage, 2005, Le Point du Jour Editeur. pg 95.
“Lynne Cohen’s photographic style, well represented in the photographs in this exhibition, didn’t come from nowhere. She is often thought to have found her artistic voice early on and to have continued along the same path in the forty years or so that she was making work. This is not entirely off base but overlooks what she was up to in the five or six years before 1970. When I met her in 1964, she was taking her first steps as a sculptor and within the year was welding steel automobile bumpers more or less in the style of the “neo-dada” US sculptor John Chamberlain. It came to an end when she burnt herself while soldering. Still interested in sculpture and the work of Chamberlain and like-minded sculptors active in the 1960s, she took up printmaking. Now also influenced by pop art, conceptual art and other contemporary art trends, she produced a substantial body of prints that reflected her fascination with materials and the material world. One of her main resources during these years was how-to-do-it catalogues, a resource that she regularly came back to. Though going well – she was winning prizes – her printmaking was keeping her in the studio when she wanted to be out in the world and around 1970 she turned her hand to photography. She felt, correctly as it happened, that this would allow her to do the kind of work she wanted to do in a more socially engaged way. The ideas that informed her sculpture and printmaking were not lost but reconceived. From then on, she photographed places, almost invariably interiors, that she increasingly came to see as readymade art installations.”
Andrew Lugg, Montreal, February 2022
